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COLOQUIO: X EDICIÓN 2018
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RESUMENES

LUNES 2

Colecciones de impresos musicales en México de los siglos XIX y XX: de la metodología para la catalogación a la interpretación musical

Metodología para la catalogación y reconstrucción de la historia de la imprenta musical en la Ciudad de México de los años 1826 a 1877

Luisa del Rosario Aguilar (México)

Una de las principales dificultades sobre las partituras impresas, o importadas, en México a lo largo del siglo XIX y en las primeras décadas del siglo XX ha sido la inconsistencia o carencia de información en estas valiosas fuentes musicales y culturales, lo cual ha impedido en gran medida el registro, estudio e interpretación de estos materiales. A partir del registro de más de 4000 partituras localizadas en el Fondo Reservado de la Biblioteca Cuicamatini de la Facultad de Música de la UNAM, se ha delineado una metodología de descripción documental basada en las herramientas de la bibliografía descriptiva, que ha implicado la localización de concordancias, la búsqueda de información faltante, sistematización y análisis de la información. Dicha metodología ha permitido identificar a impresores, importadores, centros de producción, lugares de comercialización, sistemas de publicación, precios, características físicas de las partituras, así como compositores, instrumentación y géneros ahí presentes. En esta ponencia se expone la metodología utilizada y los resultados más significativos de esta investigación que ha permitido la reconstrucción de la historia de la imprenta musical en México a lo largo de 50 años, la cual puede resultar de utilidad para la catalogación y el estudio de otras colecciones semejantes

Aportaciones y alcances de la catalogación de la Colección Martínez del Villar y Masson

Alejandra Hernández (México)

La Colección Martínez del Villar y Masson es un acervo constituido por piezas escritas para piano solo, piano cuatro manos y para voz y piano. Está constituida por un total de 653 partituras impresas —entre las que se encuentran piezas sueltas, colecciones de piezas por entrega y métodos— distribuidas en 24 libros empastados. Esta colección ingresó al CENIDIM en 1995 y actualmente está en proceso de catalogación. Una guía importante para este proceso es la metodología y las aportaciones realizadas por Luisa Aguilar, las cuales facilitan el acercamiento a las fuentes correspondientes al siglo XIX; sin embargo, a diferencia de los impresos estudiados por Aguilar, en esta colección están presentes partituras de las ciudades de México, Nueva York, Londres, Madrid, París, Hamburgo, Leipzig y Bruselas de los siglos XIX y XX. En esta ponencia se exponen las características propias de esta colección, los resultados de la metodología propuesta por Aguilar, las aportaciones correspondientes a los impresos extranjeros, y las líneas de investigación posibles por desarrollar a futuro.

La colección de piezas para piano publicadas por la Sociedad Filarmónica Mexicana ante la reciente fundación del Conservatorio Nacional de Música

Sandara Velásquez (México)

Durante el México decimonónico, donde la principal forma de reproducción sonora eran las interpretaciones en vivo, el piano fue el instrumento predominante en la Ciudad de México y las partituras fungieron como un medio de comunicación importante, pues a través de ellas se expresaban los gustos, tendencias e influencias musicales de entonces. El rescate y catalogación de los archivos musicales de aquella época ha logrado un invaluable aporte que no debe limitarse al trabajo documental, sino expandirse a la práctica interpretativa, pues ha saldado en buena medida las carencias de información y acceso a la música que afectan directamente a la historia de la música mexicana. Esta ponencia presenta ese puente a partir del análisis e interpretación de un grupo de «piezas de carácter» que figuran en dos importantes inventarios musicales. Primeramente, se toman los datos de piezas musicales publicadas en el periódico de La Sociedad Filarmónica Mexicana, publicadas entre 1866 y 1867, según la datación realizada por Luisa Aguilar en su tesis doctoral La Imprenta Musical Profana en la Ciudad de México, 1860-1877. Por otro lado, se parte del trabajo realizado por Alejandra Hernández en la catalogación de la colección Martínez del Villar y Masson dentro del Centro Nacional de Investigación Documentación e Información musical Carlos Chávez, CENIDIM. Con ello, gracias a los trabajos mencionados, se podrán considerar los aspectos técnicos, así como socio-históricos de las obras para situarlas dentro de un determinado contexto en la historia de la música y la interpretación musical.

Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana I

Del Siglo XIX hasta hoy: las Óperas de António José da Silva en la ciudad de Pirenopolis y los câmbios sociales

Andréa Luísa Teixeira (Brasil)

António José da Silva, también conocido como «O Judeu», nació en Río de Janeiro en 1705 y morió en Lisboa acusado de judaísmo en el año 1739, después de componer 8 óperas, todas con gran éxito. Con los portugueses yendo a Brasil desde su descubrimiento, estas óperas terminaron en ciudades importantes como São Paulo, Río de Janeiro y Bahía, pero también fueron al centro de Brasil, en una pequeña ciudad de 25,000 habitantes, llamada Pirenópolis. Las óperas del siglo XIX en esta ciudad aparecieron en las calles y fueron acompañadas por toda la comunidad. La música, hecha en un ambiente familiar por la ciudad, ayudó en la apreciación y construcción sociocultural de estas personas. Pirenópolis es conocida por haber tenido siempre una vida cultural en efervescencia, desde el siglo XVIII. Estas presentaciones singulares son tan importantes para la comunidad y para su construcción sociocultural como para la comprensión de la musicología brasileña.

Dos personalidades emblemáticas de la canción clásica-lírica en el Caribe colombiano: Pedro Biava Ramponi y Hans Federico Neuman del Castillo

Yamira Rodríguez Núñez (Colombia)

El presente trabajo tiene como propósito valorar la significación musical de la obra de dos compositores representativos de la región Caribe colombiana: Pedro Biava Ramponi (1902-1972) y Hans Federico Neuman del Castillo (1917-1982), específicamente, se pretende establecer las corrientes estilísticas que caracterizan sus obras para voz y piano. También se interpretarán o proyectarán algunas de sus canciones liricas por la soprano Laura Saldarriaga Cupidan y la pianist aYamira Rodríguez Núñez (ponente). De Biava: Mi tristeza es como un Rosal Florido, Triste, muy tristemente y La imagen de tu perfil; de Neuman: Madrigal, Cuando sea mi vida y Rondel.

MARTES 3

Enfoques actuales sobre la Gestión del Patrimonio Histórico-Documental de la Música. Resultados de la II Edición de la Maestría del Colegio Universitario San Gerónimo de La Habana (Universidad de La Habana)

Los órganos de los templos habaneros de La Merced, La Guadalupe y Santo Ángel Custodio

Gabriela Rojas (Cuba)

La investigación se centró en tres de los órganos más antiguos que se localizan en La Habana, ubicados originalmente en los templos capitalinos de La Merced, La Guadalupe (actual Basílica menor de La Caridad) y Santo Ángel Custodio. El estudio combinó la caracterización físico-acústica de cada instrumento en calidad de documento organológico y la reconstrucción documental de su biografía cultural desde los recursos de la Teoría Actor Red (TAR). Cada órgano quedó situado en el centro del análisis como actor material, lo cual permitió, en primer lugar, articular la red de relaciones en la que estuvieron inmersos a partir de su encargo y ubicación en los templos; y en segundo lugar, establecer un sistema de descripción que, desde su estado actual, considerase las transformaciones experimentadas por cada órgano desde el siglo XIX hasta el presente.

Fundación Pablo Milanés: memoria de una gestión cultural (1993-1995)

Carla Mesa (Cuba)

Se trata de reconocer y revaluar la gestión cultural emprendida por la Fundación Pablo Milanés, primera en su tipo con carácter civil, autónomo y no gubernamental que se desarrolló en La Habana entre 1993 y 1995 durante el denominado Período especial, a partir del análisis del acervo documental conservado de la Fundación y el trabajo con la memoria colectiva de quienes la integraron. Se valora su gestión cultural mediante las principales dimensiones que la caracterizaron —directiva/administrativa, artística, económica/financiera y política— en alianza con las funciones básicas del ciclo de la dirección. De este modo se reconstruye un modelo de trabajo que sostuvo como principal premisa servir de apoyo y fomento para la cultura cubana. Liderada por el reconocido trovador que la nombra, la Fundación fue el destino de cientos de artistas y sus resultados son constatables en producciones fonográficas, audiovisuales, editoriales, de artes plásticas o diseño que son reconocidos en la investigación

Musicología, formación musical y gestión del conocimiento I

Los músicos y la estructuración de la orquesta de la ciudad de Santos

Lina Maria Ribeiro de Noronha y Carlos Alberto Vieira Borba (Brasil)

La Orquesta Sinfónica Municipal de Santos (OSMS), según la versión del Ayuntamiento, fue creada el 10 de agosto de 1994, con la publicación de una ley municipal. Sin embargo, esta narrativa de la historia de OSMS no considera la existencia de orquestas anteriores,pero hay documentos que indican que la orquesta de la ciudad surgió el 24 de febrero de 1950, momento en el que los músicos tomaron la iniciativa de organizar un concierto y exigir al gobierno el apoyo financiero necesario. A partir de ese momento, el gobierno municipal comenzó a apoyar la iniciativa, incluida la concesión de subvenciones anuales desde 1952. Hasta 1994, aseguró la profesionalización de los músicos, con la oficialización de la orquesta municipal. En este sentido, este artículo tiene dos objetivos. En primer lugar, considerar el papel de los músicos en la formación y perpetuación de la orquesta, bien como en la investigación y construcción de uma narrativa sobre la historia del grupo, informando que la autora de esta investigación es miembro de la orquesta. En segundo lugar, comprender el universo de estos sujetos y las interacciones recíprocas de la cultura popular con el circuito de la cultura hegemónica presente en los círculos de la música clásica. Para esto, utilizaremos conceptos del historiador italiano Carlo Ginzburg que abordan la dinámica dialógica entre la cultura erudita y la popular, filtrada de acuerdo con los sujetos y sus respectivas clases.

De los autores

Lina Maria Ribeiro de Noronha

Oboísta de la OSMS desde 1995. Licenciada en música (composición y dirección / instrumento: oboe), máster y doctora en Música por la Universidade Estadual Paulista (UNESP), São Paulo, Brasil. Docente del curso de Música em la Universidade Metropolitana de Santos (UNIMES), São Paulo, Brasil, ciudad en que reside.

Carlo Alberto Vieira Borba

Diplimado en historia (licenciado y profesorado) por la Universidade Federal de Goiás - Campus Catalão. Master en Historia Social por la Universidade Federal de Uberlândia (UFU) y doctor en Historia Económica por la Universidade de São Paulo (USP). Docente del curso de Historia y Ciencias Sociales en la Universidade Metropolitana de Santos (UNIMES), São Paulo, Brasil, ciudad en que reside.

Criminal se nace: La gobermentalidad de la Venezuela Bolivariana para la reformación e inclusión social de la juventud a través de la educación musical

Victoria Mogollón Montagne (Venezuela)

La Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, mejor conocida como El Sistema, diseñó un «modelo pedagógico, artístico y social» dirigido al «entrenamiento, prevención y recuperación de los grupos más vulnerables del país, ya sea por su condición etaria o socio-económica».

El tipo de instrumentalización de la educación musical llevada a cabo por El Sistema a partir de su vinculación con el chavismo está acompañada de una retórica de justicia social a través de valores como el trabajo por un objetivo común, cooperación y prácticas colectivas. Este trabajo utiliza la teoría Foucauldiana de biopoder para analizar los objetivos de prevención criminal e inclusión de poblaciones «en riesgo», y las pretensiones de rescate humanista y desarrollo de El Sistema. La literatura existente expresa preocupación por el contraste entre la visión de El Sistema y su ejecución práctica. Sin embargo, mi investigación indica que mientras existe, efectivamente, una incongruencia entre las poblaciones que El Sistema busca servir, aquellas que de hecho participan en el programa, y los objetivos sociales del mismo, para el gobierno esto no constituye ninguna discrepancia. Al contrario, El Sistema extiende la influencia regulatoria y disciplinaria del gobierno sobre poblaciones «en riesgo» (formadas a partir de construcciones culturales y artificios estadísticos), más no aquellas directamente vinculadas a la criminalidad. Dicha estrategia no conlleva a un descenso de las actividades delictivas, sino a una adjudicación de características criminales a los niños y jóvenes venezolanos.

Las canciones del maíz Krahô y la respiración del maracá: educación y arte en la investigación intercultural

Veronica Aldé (Brasil)

En un contexto donde la «seguridad cultural» debe ser pensada estratégicamente, los maestros y los ancianos Krahô se están movilizando para garantizar que partes significativas de sus memorias y expresiones culturales, puedan perpetuarse a través de otros medios, como la escritura y las grabaciones audiovisuales. En este sentido, propone la construcción de Bibliotecas Orales que puedan proporcionar subsidios para una educación indígena diferenciada, así como para mejorar la comunicación intercultural con los no indígenas. En 2011, los Krahô fueron invitados a participar en el proyecto piloto: «El trabajo de la memoria a través de las canciones», del Museo del Indio de Río de Janeiro, una iniciativa gubernamental pionera en el cuidado y preservación de las canciones indígenas. Según la cosmología del pueblo Krahô, el Cotoj (maracá) tiene aliento, respira, al igual que la tierra, y es responsabilidad de los cantantes y de la comunidad, mantener este movimiento fuerte y alegre a través de los rituales, regulando y manteniendo la salud de todos los seres, humanos y no -humanos. A través del repertorio de los cantos, de las canciones del ritual Pohyjõ Crow (plantación de maíz), es posible vislumbrar la compleja red de conocimiento ontológico existente, perpetuado a través de la tradición oral, y cómo las canciones de Krahô enfrentan y hacen resistencia a la expansión del proceso de globalización, e nos induce a nuevas reflexiones sobre la importancia de estas matrices epistémicas, tanto en la educación indígena diferenciada como en la formación ciudadana de los brasileños.

Música y discursos contemporáneos I

Tango y Poema del compositor argentino Gilardo Gilardi

Patricia Espert (Argentina)

El presente trabajo es parte de una investigación musical mayor sobre el compositor argentino Gilardo Gilardi (1889-1963). En esta oportunidad realizamos un recorte y abordaremos dos de sus obras para piano: Tango (1958) y el poema El viento agita el cardal (1960).

El trabajo incluye el análisis musical de las piezas, lo que permite rescatar los giros musicales recurrentes. La herramienta que utilizamos es la metodología de Dante Grela.

Tango es la obra más breve del compositor; se encuadra dentro de un planteo tonal funcional enmascarado por el uso de bitonalidad y la utilización constante de notas alteradas. El viento agita el cardal es la última obra y la más extensa; se enmarca dentro de un contexto estilístico diferente al resto de su obra pianística; se aleja de las tendencias neoclásicas que predominan en su producción anterior y se aproxima al atonalismo de Viena.

El estudio técnico interpretativo realizado permitió constatar la rigurosidad y precisión de las indicaciones de Gilardi.

La investigación pretende realizar un aporte al conocimiento en el campo de la producción musical gestada en Latinoamérica durante el siglo XXl, su difusión y puesta en valor

Manuel Calzada: Un imaginario rítmico boricua desde la diáspora

Tito Alonso (Puerto Rico)

Esta ponencia pretende explorar el diálogo entre algunos caribeñismos musicales como la bomba puertorriqueña, el merengue y el montuno y la música de uso [Gebrauchmusik] sinfónica formal a través de las obras La Garita del Diablo (2009) y Ataque y Volavérunt para orquesta (2015) del compositor puertorriqueño Manuel Calzada. La Garita del Diablo es una estampa del imaginario del compositor mientras que Ataque y Volaverunt es una metáfora de la definición nacional caribeña. Describe un vuelo imaginario de dos brujas, las cuales pretenden invadir al Caribe con la misión manifiesta de robar nuestros valores culturales y así erradicar nuestra identidad. El compositor expresa aquí cómo las tres islas del Caribe hispano, Cuba, República Dominicana y Puerto Rico son hermanas y comparten cierta riqueza rítmica. El discurso musical e imaginario de este compositor de la diáspora rebosa de imágenes visuales y rítmicas de tanto la puertorriqueñidad como del Caribe en general.

Como parte del análisis descriptivo musical, identifico materiales onomatopéyicos y ritmos claramente articulados o incluidos de maneras más sutiles en el tejido de la música formal que no solo rompen con la división estética de lo clásico y popular, sino que también invitan a reflexionar en torno a una transformación cultural que va más allá de la eliminación de lo viejo o la adquisición de lo nuevo o la confrontación entre dos fenómenos culturales diferentes y excluyentes. En su lugar son posibles identidades intercambiables o un imaginario con una estructura más compleja que el mero binomio asimilación y genocidio cultural.

Primeras obras escritas para conjunto de percusión, en la primera mitad del siglo XX

Juan Javier Rodríguez (Cuba-España)

La presente ponencia se propone exponer, analizar y valorar la repercusión que han tenido, tanto para la música en general como para la percusión, la composición de las primeras obras de conjunto para instrumentos de percusión en los comienzos del siglo XX. Las 5 obras que ocupan la muestra son: Rítmicas V y VI (1930), de Amadeo Roldán; Ionización (1931), de Edgar Varèse; Ostinato Pianissimo (1934), de Henry Cowell; First Construction (in metal) (1939), de John Cage; y Toccata para Instrumentos de Percusión (1942), de Carlos Chávez. Con el análisis de estas obras se pretende poner de manifiesto cómo estos cinco compositores asumieron los riesgos de combinar por primera vez sólo instrumentos de percusión y con ello crear obras con sonoridades hasta entonces totalmente desconocidas. Se analizará porqué estas obras constituyen los pilares de todo el desarrollo posterior de esta numerosa familia instrumental y, de esta manera, hacer nuestras las palabras del compositor y crítico musical español Tomás Marco, quien afirmó: [...] la percusión es el gran instrumento del siglo XX».

Musicología, formación musical y gestión del conocimiento II

La enseñanza musical en el Colegio La Empresa de Matanzas a través de sus Elencos (1856-1869)

Lourdes de la Caridad Fernández Valhuerdi (Cuba)

La investigación que se presenta valora las características que tuvieron las clases de piano, flauta, canto, violín y clarinete en este centro docente matancero privado, solo para varones que fue creado para preparar con esmerada educación a los hijos de la sacarocracia matancera. Se valoran los métodos de enseñanza, sus profesores, matrícula y exámenes que se analizan a través de la colección de Elencos, atesorados por el Departamento de Fondos Raros y Valiosos de la Biblioteca Gener y del Monte de Matanzas.

Conservatorio Internacional de La Habana: historia y proyección pedagógica- musical

Claudina Hernández Bean (Cuba)

En la historia musical de Cuba se han destacado centros y asociaciones que influyeron en la cultura cubana: Tal es el caso del Conservatorio Internacional de La Habana fundado en 1925, que en su tiempo fue referencia de la enseñanza de la música y centro de promoción artística de gran novedad para aquel entonces. Pionero en muchos aspectos de la vida artística cubana, pocos conocen el origen de este lugar y la persona que dedicó gran parte de su vida a este proyecto de impacto cultural. La exposición está acompañada de documentación relacionada con tan importante conservatorio para la historia de la pedagogía musical cubana.

Principales aportes de Antonia Luisa Adoración Cabal Salis a la formación de los músicos en la provincia más oriental de Cuba

Mauris Arencibia Pérez (Cuba)

Antonia Luisa Adoración Cabal Salis, más conocida por los guantanameros como «Tootsie», tuvo un papel protagónico por más de medio siglo en la formación de los músicos y en la promoción cultural en la provincia más oriental de Cuba, ha sido insuficientemente valorada como parte del patrimonio pedagógico musical del territorio y de la memoria histórica de la cultura en el territorio. Se trata en este panel de reivindicar la dimensión histórica, musical y pedagógica que tuvo esta personalidad relevante de la cultura nacional, cuyos aportes son notables para la historia del pensamiento de la música en Cuba.

La obra pedagógica musical del Maestro César Pérez Sentenat

Susana Hernández (Cuba)

La presente ponencia se propone visibilizar la contribución de Cesar Pérez Sentenat a la pedagogía musical cubana en el período 1922-1957, a través de la reconstrucción biográfica y el estudio triangulado de su accionar en los diversos entornos profesionales en los que se desenvolvió: la docencia, la interpretación, la gestión y la composición fue el propósito de mi investigación contemplada en mi Trabajo de Diploma del perfil Musicología defendido el curso escolar 2018-2019 en la Universidad de las Artes, ISA.

La carrera profesional de esta personalidad comenzó alternando sus intereses interpretativos y docentes. Luego de su fructífera etapa como alumno de Joaquín Nin en Francia, retornó a la patria y se vinculó con instituciones docentes como el Conservatorio de Hubert de Blanck y el Conservatorio Internacional, en el que funda el primer kindergarten y bachillerato musicales. Participó activamente en la creación de la Orquesta Sinfónica de La Habana y posteriormente la Filarmónica junto a Amadeo Roldán, con quien fundó y dirigió la Escuela Normal de Maestros. En su clase de piano recurrió a los métodos que proponía la Escuela Nueva. Con el objetivo de acercar la identidad nacional a los jóvenes creó un corpus de obras didácticas para la enseñanza-aprendizaje del piano.

Aportes de la Maestra Dinorah E. Valdés Pérez a la enseñanza de la Historia de la Música

Nairin Rodríguez Duverger (Cuba)

Mencionar el nombre de Dinorah Eumelia Valdés Pérez (La Habana, 1948 - 2015) en el entorno musical académico, remite indiscutiblemente a las principales labores que le distinguieron como pedagoga y musicóloga. Aunque logró articular ambos campos de manera espontánea, su desempeño artístico-pedagógico se recuerda mayormente relacionado con la Escuela Nacional de Música (ENA) y el Instituto Superior de Arte (ISA). Su prestigio fue alcanzado por todos las conferencias y cursos que impartió. Además de ser miembro activa de la UNEAC desde la década del noventa. La Historia de la Música fue una de las disciplinas que distinguió su quehacer docente, pero lo histórico -más que un perfil de su metodología- vino a ser el sustrato teórico de sus concepciones musicales. Dinorah trascendió por la singularidad de su estilo de enseñanza y las técnicas pedagógicas que aplicaba para sus clases, por la forma que hacía llegar el contenido a los estudiantes. La articulación entre la Historia del Arte y la Historia de la Música era lo que hacía que tuviera un método de enseñanza único y peculiar. Además, mantenía la misma fluidez y destreza tanto en las clases de Historia de la Música Cubana como Universal, dado su línea de investigación acerca de la música popular cubana.

MIÉRCOLES 4

Análisis desde la discografía

Julio Jaramillo y una cartografía de música popular. Circulación, mediación y alteridad en la industria musical Latinoamericana de los ‘60s y ‘70s

Juan David Rubio Restrepo (Colombia)

El cantante Ecuatoriano Julio Jaramillo (1935-1978) fue uno de los artistas más exitosos de su época en América Latina. Su carrera fue plagada de éxitos y escándalos. Esta ponencia se concentra en el archivo discográfico de Jaramillo, compuesto por más de 2.500 canciones y cientos de álbumes publicados en la mayoría de países Americanos, para rastrear y mapear lo que llamo la industria musical Latinoamericana pre-neoliberal. Esta industria, compuesta tanto por empresas multinacionales como por sellos locales propiedad de familias emprendedoras, servía a nichos de mercado al tiempo que comerciaban con matrices y licencias de reproducción con sus homólogos

extranjeros. Esta dinámica simultáneamente local y profundamente transnacional constituía la base misma de dicha industria. Tomando la producción discográfica de Jaramillo como punto de partida, la ponencia rastrea estos flujos de transnacionalismo discográfico.

Partiendo de lo que Martín-Barbero llama acercamientos «Maniqueos» a prácticas musicales massmediadas, uso su concepto de «mediación» para proponer un lectura más matizada de este fenómeno. Elaborando sobre Gramsci y Benjamin, Martín-Barbero propone un teorización que piensa críticamente a través de la subjetivación y la hegemonía y entiende la massmediación como un locus de lucha perpetua, en el cual poder y agencia humana están en perpetuo movimiento. En mi estudio, concibo el concepto música popular, y su forma adjetiva «lo popular», como ideas polisémicas y complejas. Concentrándome específicamente en su dimensión racializadora, leo en el corpus discográfico de Jaramillo dinámicas de poder en las cuales capital y alteridad eran continuamente negociados, re-articulados, reproducidos y resistidos.

El Grupo Niche más allá de la leyenda: Historia y caracterización analítica de la música en la discografía entre los años 1979 – 1999

Jenny Ariza Ariza (Colombia)

En la presente ponencia se discutirá cómo El Grupo Niche, una de las orquestas de salsa más famosas de la ciudad de Cali, crea una salsa hecha en Colombia que transcribe subjetividades colectivas e interpela a su público desde las nociones de raza y territorio. Para este fin se entablará un diálogo con el concepto de música situada de la musicóloga María Gabriela Guembe quien dice que «Lo ‹situado› en música es entonces este ‹decir desde un lugar›, estableciéndose como un discurso de pertenencia». Discurso que expresa un imaginario colectivo. Como resultado se observa que la salsa situada del Grupo Niche se ve reflejada más en sus letras que en su música, debido a que éstas personifican el vínculo que existe de la raza negra con el territorio en Colombia, dando cabida al concepto de la socióloga Collete Guilloman de marcas etnoraciales que permite entender cómo se construye la escencialización de una música ‹negra› que expresa el imaginario colectivo. Estas marcas se abandonan cuando la orquesta se ve volcada a la salsa romántica. Esto crea conflicto con su público y permite abordar la discusión de lo auténtico en contra de lo comercial. Este trabajo tiene como base los elepés producidos entre 1979 y 1999, de los cuales se extrajo la caracterización de la música, de la letra de las canciones y de la iconografía de la orquesta desde las portadas, todo esto sumado al discurso de los músicos

Dualogue: una fantasía dialogada

Sarah Town (Estados Unidos)

Los habaneros Pedrito Martínez y Alfredo Rodríguez se conocieron por primera vez en Suiza, en el festival de jazz de Montreux de 2012. De distintas generaciones y trayectorias musicales, los dos sintieron de inmediato un interés mutuo, igual por sus diferencias como también por su pasión compartida: la de proyectar la música cubana de forma cada vez más amplia en el escenario global. Poco a poco empezaron a colaborar, y en febrero de 2019 lanzaron un disco que registra la evolución de su relación artística en diez trillas sucintas. Poco después, inauguraron una gira para promoverlo.

Esta ponencia considera la trilla titular del disco, Duologue, como una fantasía para dos artistas multi-dimensionales. Los teclados de Rodríguez y el montaje percusivo de Martínez rellenan los materiales rítmicos y melódicos del tema con timbres orquestales, y la forma episódica del tema adentra el oyente en una red de interacciones. Así, mi análisis del tema comienza por narrarlo en la forma como quedó grabado en el disco. A cada paso, se interrumpe esa narrativa con detalles de otra versión del tema, que fue tocada en vivo durante la gira de los dos artistas. Entran también pedazos de conversaciones entre los artistas y otros hechos que revelan el «contenido oculto» del tema. De esta manera, la ponencia centra el análisis musical como la clave para entender los mundos que surgen alrededor de la interpretación en vivo de una pieza, y la narrativa musical —en este caso, fantasía— como un modelo para su explicación.

Música y discursos contemporáneos II

Apropiación musical del reguetón y otras escenas de la música cubana

Yurien Heredia (Cuba)

El reguetón en los últimos años ha transformado el panorama de la música popular cubana. Su proceso apropiatorio desde y hacia otras escenas es uno de los elementos más significativos a analizar. Estrategias de mercado e inquietudes creativas marcan este comportamiento. Caracterizamos rasgos de estilo de los creadores que han liderado esta tendencia en varias etapas. Asimismo, destacamos los temas musicales que exhiben este procedimiento.

Acerca de historia de la pre-Salsa: Pautas históricas para entender el desarrollo de la consciencia Latina en la Salsa de la ciudad de Nueva York

Andrés Espinoza (Puerto Rico)

Esta presentación analiza, desde un punto de vista socio-musical, el desarrollo, los inicios históricos, y la expansión de la conciencia Latina, entendida desde ideas de raza, origen étnico, y como conciencia de clase, en la música Latina de la ciudad de Nueva York entre los 50s y 60s. Desde un análisis estético y discursivo de la música que fue eventualmente llamada Salsa, y sus representaciones y significaciones musicales de la Africanidad, la Latinidad y la consciencia de clase, exploro algunos de los avances de la socialización Latina a través de referentes musicales de la pre-Salsa como Arsenio Rodríguez, Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez y su mambo en los 50, y el desarrollo del boogaloo como una música representativa de ideales de clase Nuyolatinos y Afro-Americanos dentro del ethos de la ciudad de Nueva York

El tradicionalismo africano y la «re-yorubización» de la Regla de Ocha-Ifá: La lógica de eficacia sonora y las prácticas músico-rituales de un movimiento transatlántico

Ruth Meadows (Estados Unidos)

En Cuba, la llamada «re-yorubización» del complejo religioso Regla de Ocha-Ifá a través de la reconexión de practicantes cubanos con las prácticas contemporáneas de Ifá-òrì?à en la tierra yoruba de Nigeria ha traído como consecuencia no sólo fuertes polémicas en torno a la práctica de dicho complejo religioso en las últimas décadas sino también cambios marcados en las prácticas sonoras y músico-rituales. A través del análisis de treinta y dos meses de investigación musicológica del fenómeno tanto en La Habana como en las distintas provincias del país (Santiago de Cuba, Holguín, y Guantánamo), y en conjunto con el ICIC (El Instituto Cubano de Investigaciones Culturales Juan Marinello), esa ponencia examina el fenómeno del «tradicionalismo africano» a través de una lógica central de «eficacia sonora»,o la manera en que proponentes promulgan lógicas y ontologías de eficacia de práctica ligadas con una sonoridad Yorùbá-céntrica en la movilización del lenguaje y la música ritual. Esas lógicas señalan rupturas tanto en el uso del lukumí cubano (lenguaje ritual de Regla de Ocha-Ifá) como en la instrumentación y el canto músico-ritual (el uso de los tambores sagrados batá yla introducción de los instrumentos contemporáneos dùndún y Ogboni, entre otros). A través de una examinación de los cambios sonoros-musicales ejecutados por los variados ?gbés (comunidades religiosas) del país, interrogo la centralidad de la lógica de eficacia sonora y como indica rupturas temporales en la concepción tradición-práctica, con consecuencias tanto en la isla como en la relación entre practicantes y el continente africano contemporáneo.

Musicología, formación musical y gestión del conocimiento III

El oído armónico en la enseñanza de la música

Yamila de Armas López (Cuba)

Los estudiantes que comienzan el Nivel Medio, reciben la asignatura Armonía por primera vez: son contenidos nuevos que requieren habilidades para ampliar el espectro musical que hasta el momento poseían con el Solfeo y las diferentes formas de aplicar la Teoría. En su quehacer docente, la autora ha podido detectar dificultades recurrentes relacionadas con la habilidad oído amónico y es esta la razón por la que se dispuso a investigar de qué forma podía solucionarse en alguna medida esta grieta en el conocimiento.

La ponencia a presentar es producto del experimento que se aplicó en dos escuelas de música de nivel elemental en La Habana (Alejandro García Caturla y Manuel Saumell), con el propósito de contribuir al perfeccionamiento de la enseñanza-aprendizaje de nuestros estudiantes y de alguna forma orientar a los profesores de solfeo en cómo trabajar el oído armónico, desde qué año, con qué frecuencia y sistematicidad para poder desarrollar esta habilidad.

Un análisis detallado del programa de solfeo del Nivel Elemental fue realizado, además de encuestas y entrevistas a profesores especializados en esta disciplina y como posible solución, se propuso un conjunto de procedimientos metodológicos para el entrenamiento del oído armónico en el primer año carreras cortas del nivel elemental. Estos ejercicios serán mostrados en la exposición mediante las grabaciones realizadas como parte del proceso de investigación llevado a cabo por la autora

Leer y memorizar música: acercamiento desde las neurociencias

Claudina Hernández Bean (Cuba)

La memoria es un proceso mental que mantiene activos los conocimientos obtenidos a través del tiempo, estructurándolos hacia esquemas mentales que son representados y manipulados, de acuerdo con la acción a realizar según corresponda.

En relación con el aprendizaje musical, la profundización en el trabajo de la memoria es sumamente importante para poder desarrollar las destrezas necesarias que lleven al entendimiento global de la obra para su posterior interpretación sin partitura, aspecto que no siempre se tiene en cuenta en el período de formación: es por esta razón que muchos estudiantes tratan de memorizar la música como lo harían con otros contenidos a aprender, pero desconocen que el mecanismo para el músico es completamente diferente así como lo es su cerebro, organizado por la música con el objetivo de realizar varias tareas simultáneamente. Este trabajo está encaminado a develar estudios realizados en torno a la neuroanatomía del aprendizaje musical en su estrecha relación con los tipos de memoria, los movimientos oculares en la lectura, así como el reconocimiento de patrones y su aprovechamiento para potenciar la práctica musical.

La enseñanza colectiva del instrumento musical y sus beneficios

Igor Monteiro (Brasil)

Esta ponencia busca una reflexión sobre la Enseñanza colectiva de instrumentos musicales, abordando sus aspectos históricos y enfocándose en los beneficios logrados a través de esta metodología, ya sea musical, cognitiva, cultural, social o psicológica. Aunque es una metodología antigua, que surgió en el siglo XIX, se ha utilizado y ganado más espacio en la práctica docente en Brasil en la actualidad. Otro punto importante a abordar son los aspectos metodológicos que involucran la práctica del maestro que elige trabajar con esta metodología, aspectos que van entre la estructura de la clase de enseñanza colectiva, los elementos que constituyen las clases y el perfil ideal del maestro. A través del análisis de la revisión de la literatura con autores / investigadores que trabajan a través de la Enseñanza colectiva de instrumentos musicales, el artículo trae algunas reflexiones que muestran la viabilidad de trabajar con esta metodología en varios contextos, incluso como una alternativa a la enseñanza de la educación básica. de las escuelas brasileñas.

Tras una historia. Los egresados músicos de la Universidad de las Artes

María del Rosario Hernández, Grizel Hernández Baguer y Ailer Pérez Gómez (Cuba)

Los estudios superiores de la música en Cuba, se realizan en 27 perfiles que posibilitan la creación-interpretación de los más diversos estilos y géneros, la formación de nuevas generaciones y la investigación. Precisamente a las puertas del 45 aniversario de la Universidad de las Artes de Cuba, se presentan los resultados de una investigación que tiene como objetivo principal, el estudio de sus egresados músicos, desde la documentación oficial, hasta el intercambio personal o grupal. Se conceptualiza el devenir de diferentes perfiles y se tributa al desarrollo de la enseñanza universitaria de nuestros tiempos. El trabajo aborda problemáticas tales como la relación de la academia con la interpretación de diferentes repertorios, el legado de profesores eminentes y sus aportes, los contenidos que han sido esenciales, métodos de enseñanza y proyección internacional, entre otras. Todo ello sustenta la idea de que los egresados de la Facultad de Música, desde el año 1981 hasta la actualidad, constituyen una masa artística de enorme valía para Cuba y muchos otros países, siendo la concepción y sostenibilidad de un sistema o programa de relaciones recíprocas con los mismos, uno de los retos fundamentales que debe asumir la Universidad en la actualidad.

JUEVES 5

Teoría y crítica de la historiografía musical latinoamericana II

De Pastora Imperio a Encarnación López «La Argentinita»: La danza española en los teatros de Uruguay

Inmaculada Matía Polo (España)

La construcción de la escena dancística española de principios de siglo XX, tiene su génesis en la llegada del modernismo a España y, con ella, el diálogo entre diferentes productos culturales, en cuya conformación están imbricados conceptos como la vanguardia y la subalternidad, lo local y lo cosmopolita o la tradición y lo europeo. A través de figuras capitales como Pastora Rojas Monge «Pastora Imperio», Pilar López, Vicente Escudero, Antonia Mercé «La Argentina» y Encarnación López Júlvez «La Argentinita», el éxito de ballets como El amor brujo (1915) y, sobre todo, con la internacionalización que supuso el estreno en Londres de El sombrero de tres picos (1919), la danza española comienza a definir sus fronteras, convirtiéndose en un espacio para la creación y la reflexión. Alrededor de su estela, se produjeron ambientes donde la intelectualidad y el artista difuminaron sus fronteras sociales para imbricarse en procesos de creación sincréticos y transgresores. Con notable protagonismo, encontramos en el centro de estas manifestaciones a la mujer, cuya práctica dancística está estrechamente ligada a aspectos relacionados con su independencia como intérprete y empresaria (Ramos: 2003, Gómez Blesa: 2009).

En esta comunicación pretendo abordar la danza española desde una perspectiva poliédrica, tomando en consideración las relaciones trasatlánticas que se han llevado a cabo a través de la contratación de dos de sus figuras —Pastora Imperio y «La Argentinita»— en los coliseos del Teatro Solís (Montevideo) y Teatro Larrañaga (Salto). Desde una perspectiva integradora, se atenderá de manera espacial a las estrategias narrativas, así como el análisis de modelos escénicos foráneos que influyeron en la configuración del lenguaje dancístico español

El Festival de Música Inter-Americana y Diplomacia Cultural Hemisférica durante la Guerra Fría

Marysol Quevedo (Puerto Rico)

Establecido en 1958, el Festival de Música Inter-Americana (IAMF) fue organizado bajo el patrocinio de la Organización de Estados Americanos con el fin «de promover relaciones más estrechas y entendimiento entre las repúblicas americanas a través del reconocimiento y estímulo del desarrollo de la música de las Américas». A través de más de veinticinco años de actividad (1958-1986), el IAMF, celebrado cada dos años en Washington, D.C., presentó música clásica por compositores de todo el hemisferio en su esfuerzo de promover solidaridad Pan-Americana a través de la cultura. No obstante, la programación de los conciertos y la crítica musical demuestra que a pesar del objetivo afirmado de «promover relaciones estrechas y entendimiento», los críticos estadounidenses describieron las obras de los compositores latinoamericanos con terminología esencialista, como «exóticas», enfatizando las diferencias entre compositores estadounidenses y latinoamericanos, y colocando a los estadounidenses en rangos más altos. Los compositores latinoamericanos que más se beneficiaron en exponer su trabajo en el IAMF en su mayoría empleaban un estilo musical que evadía el nacionalismo. En vez de celebrar las diferencias e identidades nacionales, el IAMF recompensaba a los compositores que abandonaron tendencias nacionalistas y favorecieron un enfoque más cosmopolita promovido por ciertos círculos musicales estadounidenses. Además, el contenido de la programación reflejaba y reforzaba las tensiones políticas de la Guerra Fría, en vez de servir como vehículo para el entendimiento mutuo. Por ejemplo, a pesar de participar en el primer festival de 1958, después del 1959 los compositores cubanos no continuaron participando en festivales posteriores.

Resonancias del Martín Fierro a través de la palabra y la voz en el ballet Estancia Op. 8 (1941) de Alberto Ginastera

Mariana Signorelli (Argentina)

En el ballet Estancia Op. 8 de Ginastera se observa una doble instancia narrativa: por un lado, la del argumento basado en escenas de la vida campestre pampeana, y por el otro, la selección de versos del Martín Fierro de José Hernández que el compositor eligió para intercalar entre los números de danza. El texto aparece y el personaje mítico del gaucho, símbolo de la identidad nacional, se corporiza a través de una voz masculina —bajo barítono— que participa del «universo sonoro». ¿Y las mujeres? Como en las danzas folclóricas argentinas, en dicha epopeya literaria se otorga un papel subordinado o silenciado a las mujeres.

¿Cuál es la necesidad de esta «presencia lingüística»? ¿Cuál es la función de estas «resonancias» del poema «épico nacional»? La presencia de la voz masculina corporizada en el gaucho y la ausencia de la voz femenina resuenan en Estancia como imagen identitaria reforzando las representaciones canónicas patriarcales.

Para desentrañar los vínculos semánticos, estéticos y formales de la voz en este ballet, se considera la versión completa grabada por The London Symphony Orchestra, dirigida por Giséle Ben-Dor, BMG-1998. Partimos de publicaciones anteriores sobre diferentes propuestas coreográficas de este ballet para focalizarnos, en este caso, en la función del texto y su sentido discursivo narrativo. Se entrecruzan perspectivas historiográficas de la musicología de la danza (Martínez del Fresno) y de la musicología feminista (Mc Clary, Ramos López) sobre un corpus de críticas aparecidas en la prensa periódica al momento del estreno (1952) y de su grabación (1998).

Nuevos paradigmas metodológicos basados en técnicas y formatos digitales

¿Qué música? Si nadie toca... si nadie sabe… Reflexionando el etnografiar de un musicking digital

Juan Bermúdez (México)

Las nuevas tecnologías y medios digitales no solo se han convertido en una parte integral de nuestras vidas, sino también, en una parte inseparable de nuestro trabajo etnográfico. L@s músic@s usan las redes sociales y otras tecnologías digitales para representarse y promocionarse, pero también otr@s actores construyen y participan a través de estos medios en los discursos de estas prácticas musicales. Sin embargo, l@s nativ@s digitales experimentan estos nuevos medios de una manera más intensa y confidencial, percibiéndolos como una extensión de su propia realidad. Esto les ha permitido no solo construir nuevas identidades mixtas y virtuales, sino también,hacer cada vez más clara la interrelación e interconexión entre espacios físicos y virtuales multilocales, actuando de manera más fluida en sus prácticas musicales y construcciones de conocimiento. Esta apropiación de los mundos virtuales, así como el desarrollo de nuevas plataformas digitales, proporcionaron nuevos espacios para el desarrollo de nuevas formas de prácticas musicales. En esta presentación busco discutir, basado en mi trabajo sobre prácticas musicales virtuales, ejemplificado en la aplicación móvil TikTok, diversas posibilidades metodológicas y teóricas, así como diversos desafíos durante el desarrollo de etnografías en mundos musicales virtuales. Proponiendo concebir nuestras prácticas musicales como expresiones auditivas, que diferentes identidades físicas y virtuales interactúan y experimentan en espacios multilocales conectados asincrónicamente, sugiero que un performance digital puede ser, aparte de una representación de la realidad, una parte integral de ella, e igualmente, contribuir a la construcción de un mundo experiencial extendido.

El momento y el lugar de la música

Rosana Araujo Rodrigues (Brasil)

Este artículo busca desarrollar un análisis de la relación entre el receptor y los espacios —en el sentido tanto concreto como metafórico— del disfrute musical; cuándo, dónde y cómo existe la música y cómo esta se manifiesta en el presente, en busca de una nueva perspectiva para la percepción del mundo. El espacio y el tiempo son categorías fundamentales en la experiencia de la percepción humana y siempre están sujetos a transformaciones históricas. La creciente aceleración de las innovaciones científicas, tecnológicas y culturales en una sociedad orientada hacia el consumo y el lucro, crea cantidades cada vez mayores de objetos, estilos de vida y actitudes condenadas a la rápida obsolescencia, reduciendo de manera efectiva lo que consideramos como siendo el presente. Surge una nueva configuración de tiempo y espacio que nos coloca en un estado de entropía, dando lugar a los mitos del «cibercapitalismo» y la globalización, del «ciberespacio» y del «Cybertime». La condición efímera del arte, refleja, en el fondo, el estado provisional, transitorio de la vida misma. Este análisis sugiere que el gran desafío de las nuevas ciencias cognitivas es, no sólo yuxtaponer, sino, sobre todo, crear vínculos entre los estudios sobre el cerebro (órgano biológico), la mente (entidad antropológica) y la computadora (inteligencia artificial). Sobre la base de una metodología histórico-sociológica, analizamos las contingencias y circunstancias que rodean y constituyen el acto de disfrutar. Guiados por las teorías de la estética de la recepción, sus inferencias y proyecciones en el campo musical, investigamos el proceso de producción en música desde la perspectiva del receptor. El objetivo es buscar una visión actualizada de la recepción musical que supere la cuestión de la percepción sensorial pura.

Consumo cultural mediático del reguetón cubano en las redes sociales de La Habana (2016-2018)

Lázara Yllarramendiz (Cuba)

El análisis de los temas de reguetón más gustados que circulan en los medios digitales habaneros devela las variables musicales y textuales que influyen en el impacto mediático del género musical. Las mediaciones expresivas de la música y el texto se convierten para los prosumidores en parte de lo que ellos mismos comprenden como imaginario del género, además les incitan a adoptar comportamientos y legitimar formas de expresión que inciden en la construcción de sus identidades.

El objetivo de esta ponencia es caracterizar los gustos musicales, comportamiento virtual e impacto mediático del reguetón cubano en un grupo focal digital y los playlists de las redes sociales de La Habana. Para ello se tiene como muestra los cuatro temas más gustados por los prosumidores del género obtenidos dentro del cibertrabajo de campo, a través de la observación y el análisis de los resultados de los playlists: Divan: Lo aprendió conmigo; El Kamel ft Ronald & El Koki: Hazte de un pocho; Chacal: Calentando La Habana; y Laura Pausini ft Gente de Zona: Nadie ha dicho.

Se tienen en cuenta el gusto y la competencia musical de los prosumidores, y las categorías que ellos crean en torno al discurso social de este género urbano. La guía de escucha analítica que se le aplica a la muestra está conformada mayormente por variables que son relevantes para el gusto musical de la comunidad virtual en estudio y que se vinculan con el discurso vocal instrumental y la relación texto-música

Magazine AM:PM, un diálogo sobre música popular cubana con códigos del siglo XXI

Darsi Fernández Maceira y Rafa G. Escalona (Cuba)

Magazine AM:PM es una revista digital cubana de música. Tres veces por semana actualiza su sitio web (www.magazineampm.com) con reseñas, comentarios, entrevistas, reportajes, playlists y artículos varios —sin distinción de géneros o geografías—, utilizando un lenguaje contemporáneo y combinando contenido de alta calidad con diseño, ilustración, infografía y audiovisuales, y un manejo cuidadoso de las redes sociales. El propósito de su equipo de trabajo es hacer una publicación que refleje la vida del ecosistema musical cubano y el impacto cultural y emocional de la música en la sociedad cubana.

Presentación de audiovisuales resultantes de proyectos de investigación

Documental: Al ritmo de mamá tambú (22min)

Heidy Cepero Recoder (Cuba)

La cultura haitiana se aprecia en diversas manifestaciones artísticas cubanas tanto en la plástica, en la literatura y principalmente en la música. Los referentes culturales foráneos que llegaron a Cuba por diversos movimientos migratorios poblacionales se proyectan constantemente por agrupaciones músico-danzarias contemporáneas.

Tal es el caso de Camagüey que, junto con otras zonas del oriente cubano, fue uno de los principales lugares de asentamiento de los braceros emigrados de diferentes regiones haitianas en los primeros años del siglo XX.

El documental muestra una valiosa información del antecedente haitiano en Camagüey, en voz de los protagonistas y fundadores de los tres grupos músico-danzarios de esa provincia: Desandann, Bonito Patuá y Caidije. A su vez grafica el repertorio de esta importante fuente de cultura e incluye además, el criterio de importantes investigadores y musicólogos que han estudiado ese grupo migratorio como Laura Vilar, Jesús Guanche y Martha Esquenazi.

Caracterizar determinados elementos músico-expresivos entre ellos los cantos, toques y bailes, nos ayudará a entender la estética haitiana que ellos defienden, y de qué manera las agrupaciones mantienen y representan esos remanentes culturales que conservan en la memoria colectiva. Esta investigación resalta además los valores morales, éticos y culturales de una comunidad de haitianos que a través de la práctica ritual y musical, defienden su africanidad originaria y luchan por insertarse en la nueva sociedad cubana. Compartir materiales de archivos e imágenes auténticas, nos aporta conocimiento y nos ayuda a valorar más la vida en colectivo en nuestra región latinoamericana

Documental: Alberto Carbonell, hito en la historia del canto coral en Barranquilla, Colombia (90 min)

Laura Saldarriaga Cupidan (Colombia)

El documental incluye apartes de varias entrevistas con el mencionado maestro, con discípulos suyos y otros directores corales de la ciudad, en diferentes generaciones y ofrece también un paseo sonoro por algunos de sus más conocidos arreglos, sobre temas populares del Caribe colombiano. 

Este es un producto de investigación del grupo de investigación Arte-Acción de la Universidad del Atlántico en Barranquilla-Colombia, con el cual se pretende visibilizar la obra del maestro para que sea conocida e incluida tanto en el repertorio de los coros en Colombia, como a nivel internacional. Es un aporte a la preservación histórica musical que está a disposición de directores de coro, cantantes líricos, músicos profesionales y musicólogos.